Este diciembre acabaron las filmaciones de La Quinta
Temporada. Seguimos teniendo escasa información sobre “Juego de Tronos” 2015,
pero en una reciente entrevista a “Hey U Guys” Sophie Turner ha vuelto a
poner sobre el tapete un capitulo controversial de Vientos de Invierno. Lo que nos lleva a discutir sobre los posibles cambios en su personaje.
Terminada la filmación de “Juego de Tronos” nos quedamos a la
espera de teasers, promos y noticias. Lo que nos dan son migajas que no
contentan ni al cuervo más frugal: teasers colmados de escenas de temporadas antiguas
¿Quién quiere eso? Lo más interesante de este mes ha sido una entrevista a Sophie
Turner donde la intérprete de Sansa ha hablado sobre una “traumática” escena
que veremos esta temporada que se acerca. ¿Traumática de filmar? ¿Traumática de interpretar, o traumática por el contenido?
Los troneros llegamos
a la conclusión de que la pelirroja se refiere a un capitulo aun oculto de Winds
of Winter del que ya una vez nos hablara Elio García Jr. El mandamás de
Westeros.org y amigo personal de George R.R. Martin, contó una vez que el autor le
permitió leer un fragmento de su esperada continuación de Una Canción de Hielo y Fuego. El capitulo era narrado desde la
perspectiva de la hija mayor de Ned Stark y todo lo que sabemos es que su
contenido va a causar polémica.
Hoy, tal como entonces, las conjeturas abundan más que los
ornamentos en los arboles navideños. Hay quien dice que Sansa será violada. Otros
creen que se entera del papel que su protector jugó en la muerte de Ned y lo avienta
por Las Puertas de la Luna. La hipótesis preferida es que Sansa, instada por su
protector, asesina a su primo Robalito.
No creo que se trate de violación y, ciertamente, Meñique es
un personaje demasiado importante para eliminarlo tan temprano en la serie (en
el libro tampoco creo que le haya llegado su turno, aunque con Martin nunca se
sabe). La teoría más fuerte entonces es la del infanticidio. La muerte de Robín
Arryn dejaría el campo libre para que el
viudo Lord Baelish pasara a ser Señor del Valle y pudiera casarse con la
hija de su gran amor. Yo también me inclino por esta hipótesis que definiría el
cambio de personalidad de la Niña Stark y su ingreso a las filas de jugadores
de tronos.
Sin embargo, también tengo otra teoría. Creo que esa escena,
y el polémico capitulo que la inspiró, abarcarán una seducción. No que el proxeneta vaya a
atacar a su ingenua protegida. La virginidad de Sansa es muy importante para un
posible futuro y provechoso enlace. Pero si Sansa pretende jugar al Juego de
Tronos tiene que utilizar todas sus armas y la principal es ella en todos sus encantos Por
algo su maestra, La Reina Cersei, le advirtió que el poder de la mujer reside
en la entrepierna. Además en otra entrevista, ya Sophie confesó que Sansa va a
usar su sensualidad para enredar a Littlefinger.
Hemos visto a Sansa aprender a golpes, dejar atrás cualquier
consejo materno, y crearse un nuevo código de conducta y valores. Lamentablemente, las victimas suelen forjar sus códigos como un espejo de los valores de sus
verdugos ya que asocian a ellos la fortaleza y seguridad que ansían. Cersei es
ducha en la intriga, la hipocresía y la seducción y eso es lo que Sansa buscará
imitar.
Desde el momento en que Sansa le dice a su “tiastro” “sé lo
que quieres” ya está tomando el volante de la su situación. Esa ultima escena de
la Cuarta Temporada en que aparece con nuevo look, cabello oscuro y vestido
escotado, indica cual será su camino. Un camino que debe pasar por la cama de
los poderosos, o al menos el más poderoso que conoce en este momento. Por eso,
no me sorprendería que fuera ella quien diera el primer paso.
Recientemente les comentaba de un libro Ganando el Juego de Tronos de Valerie Estelle Frankel. En el, la
autora pasa revista a los personajes
femeninos y va eliminándolos en base a sus debilidades. Acaba determinando que las
únicas mujeres fuertes de la obra son Daenerys (debatible) y Lady Olenna. Descarta
a Arya y a Brienne porque han rechazado su feminidad (no la Brienne del libro),
a Meera por vivir en función de su hermano, y a Cersei por creer que el poder femenino reside
en la sexualidad.
De Sansa ni habla. Ya anteriormente, la ha catalogado como el
personaje más débil e incomprensible del libro. Sin embargo, para mi Sansa es la
más poderosa. Cada mujer pelea con las armas que su entorno le ofrece y como lo
nota su marido, Sansa es una sobreviviente nata. Algo que solo consigue defendiéndose
con lo que tiene a su alcance.
Pocos personajes han sido tan maltratados como Sansa. Ella
nunca ha tenido doncellas amistosas (a pesar de que la serie le prestó a Shae)
ni un Ser Jorah, ni un Khalassar, ni dragones como Daenerys. No tiene espada ni
armadura como Brienne. Lo que posee y desarrolla son habilidades para la
diplomacia y para ocultar sus sentimientos. El lema de Lady Lannister (y ese es
su titulo a pesar de que lo olvidemos) es “La cortesía es la armadura de una
dama”. ¿Y qué es la cortesía sino diplomacia y fingimiento engarzados?
Hemos visto a Sansa dominar situaciones sin dejar de ser una
dama, la hemos visto conquistar a gente tan diversa como Maergery y El Perro Clegane.
Su personalidad puede inspirar tanta lástima que Shae la defiende, y Tyrion le
permite conservar su virginidad. Sansa se las arregla para encantar personas y hacerlas
creer que es tan indefensa que pueden hacer lo que quieran con ella, pero la pelirroja
observa y aprende.
Eso no le quita a capacidad de sentir lástima por otros. La
serie ha hecho hincapié en ese aspecto sobre todo en lo que respecta a Tyrion. Ella
se inclina durante la ceremonia nupcial para que El Gnomo le ponga su capa. Ella
le alcanza la copa cuando Joffrey lo humilla. Ella defiende a Tyrion ante su
tía, diciendo que no lo cree un asesino.
Sin embargo, ese poder de compasión puede que no abarque a Robalito
y ciertamente no alcanzará a Petyr Baelish. Por lo que vi en la temporada pasada,
la Sansa (de la serie) tiene totalmente decodificado
a Meñique, sabe lo que quiere y sabe hasta donde llegar con él. No necesita amenazarlo
como Cersei. Por eso Sansa salió más hábil
que su maestra- verdugo Y por eso creo que Sansa es la mujer más fuerte de
“Juego de Tronos”.
En cuanto al usar de a sexualidad femenina como arma. ¿Podemos
criticarla si, en este 2015 del Tercer Milenio, tanto medios publicitarios como
sicólogos, médicos y hasta un segmento
de feminismo organizado nos aconsejan hacer uso de nuestro sex-appeal? Entonces
no se puede despreciar a Sansa porque en un mundo patriarcal decida defenderse
usando sus mejores dotes.
¿Qué opinan ustedes?
¿Creen posible que Sansa domine a Meñique? ¿Creen que con cortesía se puede
conseguir más que con la fuerza? ¿Qué arruinaría el personaje para ustedes? ¿Qué
Sansa se vuelva una asesina o que seduzca al “tiastro”?
Los dejo con esas preguntas y aprovecho de desearles una Feliz Noche
Vieja
Es época de fiestas y de regalos, pero también es época de
ponerse nostálgico y deprimirse. Me puse a confeccionar una lista de películas fantásticas
para subir el ánimo, pero las fantasías modernas, aun las románticas, suelen
ser oscuras, tristes, negativas. Por eso volví mis ojos al pasado, a mi década favorita,
para recomendar hoy filmes del ayer que merecen ser recordados por su
aportación al género fantástico.
Desde que en 1898, los ingleses hicieran el corto “Cinderella”,
que la fantasía entró de lleno a cinelandia. Sin embargo, el género fantástico
cinematico de los 40s posee un sello propio influenciado por hechos históricos
y factores sociales que marcaron la década.
Los años de La Depresión habían visto el auge del cine de monstruos,
pero la decena siguiente se encargaría de combinar a esos entes sobrenaturales
en los hoy cásico de terror, y hasta en comedia como “Abbot y Costello Meet Frankenstein”
(1948). A tanto monstruo se le agregarían las cambia-pieles y los zombis de Val
Lewton.
Como si no fuera suficiente, el cine de los años de la Segunda Guerra Mundial vería todo tipo de
animales fantásticos: La Mula Parlante Francisquita, El Conejo Gigante de
"Harvey", un clon de King Kong llamado “Mighty Joe Young” y hasta una
oruga bailarina que le robaría cámara a Cary Grant en “Once Upon a Time”. En
esos años, Disney se encarga de crear dos
preciosidades animadas que aparte de derrochar fantasía van en armonía con el
espíritu de las fiestas por lo que no hay que ser niño para gozar de “Fantasía”
o de “Pinocho”.
La incertidumbre provocada por el conflicto bélico exigía
entretenimientos escapistas y fantásticos. De ahí que el cine de Hollywood se
abocara a espacios exóticos de Oriente en las famosas fantasías árabes de Maria
Montez. A pesar de que lo mejor de ese género se hizo en Pine Wood, en la fabulosa
“El Ladrón de Bagdad”, de la cual hablaremos en otra entrada.
No todas las fantasías “cuarentonas” fueron éxitos. Uno de
los mas sonados fracasos, fue el intento de crear un nuevo “Mago de Oz”
poniendo a una Shirley Temple, ya adolescente, en la sosa aventura “El pájaro azul”
que fue el canto de cisne de la famosa estrella infantil.
Pero el tipo de fantasía que más impera en esos años es la
historia de fantasmas buenos, de espíritus protectores que van desde ángeles
hasta Santa Claus, y de muertos que se rehúsan a morir. Es una reacción sicológica
a la presencia diaria de la muerte, al luto que ensombrece a las familias de
todos los continentes, y al miedo a perder
a un ser querido que ya sirve en el campo de batalla.
El año pasado les comenté que una de las tres mejores cintas
que he visto en mi vida, y mi favorita en el genero navideño, es la versión de
1946 de “Miracle in 34th Street”. Otro estándar de fantasía navideña “¡Qué bello es vivir!” (“It's a Wonderful Life) también es de ese año. Este clásico de
Frank Capra sigue el modelo que describo.
George Bailey (James Stewart) cansado de su vida y agobiado
por problemas, intenta suicidarse. A punto de saltar de un puente, el siempre desinteresado
suicida, se detiene a rescatar a un hombre que se ahoga. El salvado resulta ser
Clarence, un ángel quien le muestra a George (en una variación del Cuento de Navidad de Dickens) todo lo bueno que ha hecho en su vida
y lo horrible que seria para todos si no existiera.
El tema de ángel guardián reaparecería un año mas tarde en
“Heaven Only Knows” donde Robert Cummings interpreta a un ángel enviado a salvar
el alma de un jugador del Lejano Oeste. Pero el ángel más imponente de al década
lo interpretaría Cary Grant en “The Bishop’s Wife” (“La mujer del obispo”). Esa
es una película que si es posible hay que ver en estas temporadas.
Esta es la historia de Henry Brougham (David Niven), un obispo
anglicano tan atribulado por los problemas de su diócesis que en su afán de
solucionaros, posterga su vida familiar. Del Cielo le envían a Dudley, un ángel
para lo que o ayude. Pero Dudley comienza a notar que el problema de Richard es
interior. Ha perdido sus antiguos valores, y la capacidad para ser feliz y hacer
feliz a los suyos principalmente a su esposa (Loretta Young).
Más allá del tema religioso, el filme enfoca el siempre
vigente tópico de las prioridades, de la familia y de cómo un extraño puede
acercarse demasiado a una esposa abandonada. Que este extraño sea un angelito
hace la situación más picante. En Los
Noventas, se hizo una versión llamada “The Preacher´s Wife”. La difunta Whitney
Houston la protagonizó y Denzel Washington dio vida al ángel.
A veces no eran solo ángeles a rescate sino también o
mensajeros de un Cielo tan afectado por errores burocráticos que las almas se les
escapan. La más famosa de esas cintas es “Here Comes Mr. Jordan” (“El difunto
dijo No”) de 1941. Robert Montgomery (padre
de la “Hechizada” y chongo de mi abuelita) interpreta a Joe Pendeton un
boxeador que muere “equivocadamente”. Ósea, en el Cielo metieron la pata y lo
mataron antes de tiempo. Como han incinerado el cadáver, Mr. Jordan, un burócrata celestial, consigue reencarnarlo en un banquero millonario
con muchos problemas. Esta divertida comedia tuvo un remake en los 70’s llamado
“Heaven can Wait” con Warren Beatty en el rol principal.
Lo gracioso es que “Heaven can Wait” (El Cielo puede esperar)
fue el titulo de otra de estas comedias negras sobre muertos y futuros
difuntos. En ese filme dirigido en 1943 por
Ernst Lubitsch, y que en castellano se llamó "El Diablo dijo No",
Don Ameche interpreta al mujeriego tarambana Henry van Cleve. Como a todo el
mundo, a Henry le llega su hora, pero será el quien exija que lo admitan a Hades una palabra elegante para definir e infierno.
Para demostrar que ese es su sitio, Henry le relata a Don Satas toda su vida de
travesuras, incluyendo la seducción de la novia de un primo, quien eventualmente
se convierte en su esposa. Curiosamente, todas las fechorías que componen la
vida de Henry demuestran que hizo feliz a muchos principalmente a Martha, la
esposa a quien le fue infiel. Satanás determina
que el canallita merece ir a Cielo donde Martha lo espera.
El Coludo volvió a
hacer su aparición en otros filmes de este tipo que tanto abundaron en esa
década. En “El Diablo y Yo” (1946), que asi se llamó en castellano “Angel on My Shoulder”, Paul Muni es Eddie Kagle un gánster que, tras ser asesinado acaba en
el Infierno. Ahí “Old Nick” (Claude Rains de nuevo) le ofrece una oportunidad
para volver a la Tierra. Kagle es idéntico al noble y justo Juez Frederick
Parker, uno de los mayores opositores de los planes de Old Nick. La oferta es la
siguiente, Kagle invade le cuerpo de Parker, destruye su reputación y evita que
se convierta en gobernador de su estado, lo que afectaría los planes satánicos.
Sin embargo, a Kegel le resulta difícil acabar con el buen nombre de Parker
sobre todo cuando cae bajo la influencia de la angelical Anne Baxter quien da
vida a la novia de juez. De “Angel on my Shoulder” hay una versión de Los 70’s,
hecha para televisión con Peter Strauss en el rol protagónico.
El ultimo intento por convertir al Diablo en personaje de
comedia, fue la adaptación del cuento de Stephen Vincent Benet “The Devil and
Daniel Webster”, que en castellano se llamó “El hombre que vendió su alma”. Como
en el cuento, el filme describe el predicamento de Jabez Stone, quien tras
vender su alma a ya-saben-quien ha llevado una vida de placer. Eso hasta que le
llega el momento de pagar. Cuando Mr.
Scratch (Walter Huston) llega a casa de
Jabez con ánimo de Señor Barriga, el condenado no tiene más remedio que
solicitar la ayuda del fañoso orador, y abogado de los pobres. Será Daniel
Webster (Edward Arnold) quien, con su legendaria labia, convenza a Satanás de soltar a su victima.
Para acabar con este muestrario de burocracias celestiales,
y condenados rescatados que no tendrían rival sino hasta cuarenta años más
tarde cuando Tim Burton crea la comiquísima “Beetlejuice” tenemos “Stairway to Heaven”
(“La Escalera de Cielo”) que también se conoce como “A Matter of Life and
Death”.
Este filme representa lo mejor del cine inglés de la primera
mitad de Los Cuarentas y es una muestra de la delicada dirección de Michael
Powell y Emeric Pressburger. Si pueden, véanla como yo en una versión en
colores. Tiene escenas bellísimas como ese comienzo de de los aviones en la noche que estoy segura
inspiró el descenso de los paracaidistas de La Easy Company en Normandía, en
“Band of Brothers”.
Peter Carter (David Niven) es un piloto de La Real Fuerza Aérea.
Su avión es alcanzado por fuego alemán. Tras asegurarse que su tripulación está
salvo, Peter, cuyo paracaídas se ha estropeado, se prepara a morir con su nave.
Antes consigue comunicarse con una base norteamericana en la costa inglesa y
sostiene una ultima conversación con la soldado June (Kim Hunter).El avión cae,
pero el “conductor” celestial (Marius Goring) a cargo de “subir” a Peter se pierde
en la niebla costera. Peter sobrevive y es recatado en la playa por June que se
ha enamorado de él. El lio es que el conductor encuentra a Peter y le exige que
lo siga a Cielo. El aviador suplica que le permitan apelar la sentencia. Su
suplica es oída ¿Pero podrán Peter y June convencer a La Corte Celestial que el
piloto merece seguir viviendo?
“La Escalera del Cielo” fue nombrada en el 2004 como el
segundo mejor filme hecho en la Gran Bretaña. Tanta influencia ha tenido esta fantasía
que cierta autora la acusa de haber contribuido a la escena en la que Harry
muere y se encuentra con Dumbledore en una estación vacía. El mismo Daniel Radcliffe
admirador de filme, confiesa haber tenido en mente al personaje de David Niven
al interpretar esa escena.
No solo difuntos recalcitrantes y resucitados fueron la cara
de a fantasía de los 40s. Los fantasmas en general también hicieron de las suyas.
Otra historia de pilotos fue “A Guy Named Joe” donde Spencer Tracy, tras ser
derribado fatalmente por los japoneses, debe convertirse en el ángel guardián
de otro aviador (Van Johnson), e incuso prestarle la novia. De este filme hay
un refrito llamado “Always”, uno de los esfuerzos más flojos de Steven Spielberg.
Hablando de esfuerzos flojos, ahí está la primera tentativa
de trasladar a la pantalla grande “El Fantasma de Canterville” de Oscar Wilde.
A pesar de la presencia de Sir Charles Laughton en el papel principal, el
intento de 1944 es injurioso al original. Interesante la idea de convertir a
los americanos invasores de un castillo inglés en un batallón de soldados
americanos estacionados en Inglaterra, pero todo ese invento de una maldición provocada por la
cobardía de Sir Simón y como este defecto repercute en sus descendientes,
hubiese hecho ruborizar de ira a Wilde. Y desde esa adaptación data esa
incomprensible costumbre de convertir a Virginia, una chica casadera en el original, en una niñita (Margaret O’Brien).
Pero no todas las historias de fantasmas les quedaban tan
burdas. Un excelente ejemplo y un filme muy romántico (y muy apropiado para
estas fechas) es “El fantasma y La Señora Muir” (1947). Esta es la historia de
Lucy Muir (Gene Tierney), una joven viuda, que a comienzos del Siglo XX se
traslada a vivir a una aislada casona en la costa inglesa. Pronto descubre que la
casona ya está habitada por El Capitán Daniel Clegg (Sir Rex Harrison) un difunto
lobo de mar cuyo fantasma se niega a abandonar su antigua residencia. Lucy y El
Capitán consiguen un armonioso modus
vivendis y él la ayuda a independizarse de sus parientes políticos y a
ganarse a vida publicando las memorias que el fantasma le dicta. Por supuesto,
con el tiempo, la amistad se convierte en amor. Esta película tuvo en los 60s
una versión televisiva con Hope Lange y Edward Mulhare en los roles de la
Señora Muir y El Capitán Clegg.
Por último, les dejo una de las cincuenta mejores películas
que he visto en mi vida. Jennifer Jones y Joseph Cotten compartieron créditos
en cuatro cintas en Los 40, no sabría decir cual es a mejor, pero “El Retrato
de Jennie” sigue siendo una de las mejores fantasías románticas que he visto en
mi vida.
“El Retrato de Jennie” nace como relato largo de Robert
Nathan en 1940. Es considerada como un hito de la literatura fantástica. El
mayor homenaje se lo hizo Ray Bradbury al calificarlo como “conmovedor y
aterrador” y en 1946 llega a pantalla, con brevísimos cambios de original.
Abner, un dibujante con serios problemas económicos encuentra
en Central Park a una adolescente llamada Jennie. Tanto la ropa como la manera
de hablar de la niña son antiguas. Abner continúa encontrándose con Jennie en el
parque y ella se convierte en su modelo. Pero cada vez, ella va creciendo aceleradamente,
hasta volverse mujer. Una mujer de la
que el dibujante se enamora. Finamente, Abner debe rendirse a la evidencia. Su
Jennie es un fantasma que está recreando su vida pasada. ¿Podrá Abner impedir
que muera nuevamente o deberá contentarse con su mejor obra “El Retrato de
Jennie”? La suerte ha dictado que la película completa esté en Youtube y doblada
al castellano. Si pueden, desfrútenla.
Cierro esta lista de
nostalgias fantásticas con una fantasía diferente. Me refiero a la conmovedora
“El chalet encantado”. Basada en “The Enchanted Cottage” del dramaturgo Arthur
Wing Pinero, la obra ya había sido llevada a cine en 1924. En el ‘45, Hollywood
la a traslada a un escenario contemporáneo. Pasa de la Primera a la Segunda
Guerra Mundial y de Inglaterra a un pueblecito de la Nueva Inglaterra.
Robert Young es Oliver Bradford, un millonario piloto que
queda desfigurado por heridas de guerra. Avergonzado de su aspecto se aleja de
su familia y de su novia. Oliver encuentra refugio en una cabaña-hotel, usualmente
reservada para parejas en luna de miel. Allí
conoce a la cuidadora, la feúcha Laura Pennington (Dorothy McGuire). Lo
extraordinario no es que se enamoren, sino que Laura no ve la desfiguración
física de Oliver y a los ojos del
aviador ella es la mujer más bella del
mundo. Como este milagro solo tiene lugar dentro de a cabaña y solo es
percibido por los amantes (y el púbico espectador), el mundo exterior no
entiende la fascinación de un playboy mundano por una mujer poco agraciada, y
busca separarlos.
En resumen, está es la cosecha fantástica de Los Cuarenta.
¿Han visto algunas de estas películas? ¿Cuál les suena más interesante? Espero
que puedan verlas y que tengan una Feliz Navidad.
Quiero agradecer a Lord Beric Dondarrion de El Caballero del Árbol Sonriente por haber nominado nuestro “Reinos de Fábula” a un Liebster Award Ya sé que en el pasado me he abstenido
de participar en esas campañas, pero ahora si tengo la inclinación y la motivación
para seguir la cadena ¿Además quién se niega a aceptar un regalo de tan cumplido
caballero? Le estoy más que agradecida a Milord y siguiendo las reglas,
respondo las preguntas que me dejó, formulo 11 nuevas preguntas que mis 11
nominados deberán responder (si asi lo desean). Ya les avisaré en sus
respectivos blogs o redes sociales a los nominados, pero si se ven en la lista de abajo siéntase
con el derecho de comenzar a participar. Reglas 1. Agradecer a quien te ha nominado y seguir su blog (ideal para esto es Google Friend Connect). 2. Visitar los blogs que han sido nominados junto al tuyo. 3. Responder las 11 preguntas que te haga quien te nominó 4. Nominar a 11 blogs que tengan menos de 200 seguidores y avisarles que han sido nominados, ya sea por medio de sus blogs o redes sociales. 5. Realizar 11 preguntas a los blogs que has nominado. (También puedes usar las mías)
Respuestas
1- ¿Qué fue lo que te motivó a iniciar el Blog?
“Reinos” es mi cuarto blog. Incluso mantuve un blog
en mi último empleo, pero éste nació estrictamente de “Juego de Tronos”. Ya
para la segunda temporada, no me aguantaba más. Tenía que escribir sobre lo que
veía y compartirlo con otros.
2- ¿Cómo se llama tu blog y por qué le pusiste ese
nombre?
“Se llama “Reinos de Fábula”. El nombre indica todo lo
que me importa de la fantasía. La creación de mundos que muchas veces pueden
ser reales o incluso sitios urbanos, pero donde impera la magia
3- ¿De qué es lo que más te gusta escribir en tu
blog?
Sorprendentemente no de “Juego de Tronos” porque últimamente
solo me quejo de la serie. No asi de Una Canción de Hielo y Fuego. Adoro escribir sobre ela, sobre todo
de su estructura literaria. Me encanta hablar del arte de George R.R. Martin. También
me gusta descubrir joyas perdidas del género fantástico, reseñar películas
viejas, novelas decimonónicas sobre el tema.
4- ¿Cómo proyectas tu blog en el futuro?
Obvio que me gustaría tener un sitio muy profesional,
del estilo de Winter is Coming, pero en términos realistas solo pido tener salud
y medios materiales para continuarlo. Si sueño con tener más seguidores, con conocer
más gente que ame la fantasía.
5- ¿Cómo planeas tus entradas en el blog?
Puede ser algo que veo y leo que me impresiona tanto
que amerita una entrada, o algo que se esté discutiendo en la blogosfera, o
pueden ser los gustos de mis seguidores los que dicten el tema que desarrollo.
6- ¿A quien admiras en la blogosfera?
A los que tienen tiempo y energía (y conocimientos)
para embellecer sus blogs y a los blogueros cálidos que hacen sentir bienvenido
a quienes dejen un comentario en sus sitios.
7- ¿Qué te hace feliz?
Todo lo que me de paz (incluyendo una rica barra de
chocolate).
8- ¿En qué país te gustaría vivir?
En el mío, Chile. Me encanta viajar, pero a mi edad prefiero
quedarme a vivir donde ya estoy. Eso si quiero volver a vivir junto al mar.
9- ¿Cuál sería el mejor regalo que te podrían hacer?
Uno que solo puede darme El de Allá Arriba. Quiero
que me regresen mi independencia, mi espacio personal y con ello mi identidad y
mi auto-estima.
10- ¿Cuáles son tus blogs favoritos y por qué?
Muchos de los que están en la lista. Tengo gustos
variados asi que hay épocas en que frecuento más determinados blogs. Como ahora
que prefiero blogs de series de época o moda vintage. Pero lo que me atrae de
un blog es la calidad del contenido, la calidad humana del bloguero/bloguera, y que tenga una voz y un estilo propio.
11- ¿Qué consejo le darías a alguien que quiere
iniciar un blog?
Perseverancia, disciplina y paciencia. Y siempre
recordar que un blog no existe sin seguidores fieles.
Preguntas
¿Crees que es importante que un blog tenga un tema principal que guie su contenido, y que se ciña ese tema, o prefieres la libertad de escribir sobre lo que te apetezca?
¿Cuántas veces a la semana debe publicarse en un blog?
¿Qué hace a un blog una red social mejor que Tumblr, Twitter, Facebook y otros?
¿Crees que se puede hacer amistad con tus seguidores más allá de la blogósfera?
¿Que crees más importante? ¿Las visitas o los comentarios?
¿Cómo respondes cuando un comentario, educado y coherente, difiere totalmente de tu opinión?
¿Si pudieras tener a alguien famoso como seguidor, a quién te gustaría tener?
¿Qué widget te gustaría agregar a tu blog que tu plataforma no te ofrece?
¿Qué opinión tienes de los blogueros profesionales
que cobran por lo que hacen?
¿Siempre un bloguero debe responder las preguntas de
su público?
Cada día que pasa aumenta el material nacido de Una Canción de Hielo y Fuego. Además de
juegos de rol y tablero, atlas y
muñequitos, tenemos libros que buscan acrecentar nuestra percepción de la franquicia.
Para mi ultimo cumpleaños, mi hermano me regaló Winning the Game of Thrones: The Host of Characters and Their Agendas (Ganando
el Juego de Tronos: El equipo de personajes y sus agendas) un libro que ha
superado mis expectativas y espero cmentar en e futuro con ustedes.
Aunque la bibliografía “tronera” es vasta y variada, puse este libro en a lista de regalos de
Amazon debido su autora. Valerie Estelle Frankel es una ex docente de La
Universidad de San Jose, California. Hace unos años abandonó el mundo académico
para adentrarse en Los Reinos de Fábula. Comenzó con una galardonada parodia de Harry Potter “Henry Potty” de la cual
salió con un gran respeto por la saga de Rowling y por el genero fantástico.
Desde entonces está embarcada en el análisis sobre todo tipo de fantasías. Ha publicado
obras sobre The Mortal Instruments, Divergente,
Harry Potter, Los Juegos de Hambre, Outlander, y sobre series de televisión
como “Buffy”, “True Blood” y el “Dr. Who”. Además ha escrito una excelente guía
sobre la búsqueda heroica donde
desarrolla un esquema que mas tarde aplica en sus obras a muchas heroínas,
entre ellas a Daenerys Targaryen. Sobre Una
Canción de Hielo y fuego, y sobre Juego de Tronos”, ha escrito tres libros.
Symbols in Game of Thrones, The Women of Game of Thrones, y este que acabo de leer.
Es un libro tan escueto (apenas 200 páginas) que consigue
abrir mi apetito, pero me deja con gusto a poco. A juzgar por comentarios de
críticos y lectores mi experiencia no es única. Sin embargo, a pesar de su
brevedad, se las arregla para abarcar casi todas las interrogantes que nos deja
la obra martiniana. Aunque me desilusiona que los personajes en los que hace hincapié sean Bran Stark, Jon Snow, y la
mencionada Khaleesi, no me sorprende ya que se ha vuelto estándar considerarlos
como los “más heroicos” de la saga.
Ganando Juego de
Tronos inicia con una exploración del pasado, que it is known es el meollo de la Canción,
y de pasado que mas me interesa, ósea los quehaceres de Los Targaryen. La
segunda parte está dedicada a preguntas que todos nos hacemos ¿Quién es la madre
de Juan Nieve? ¿Quién es realmente Jaquen H’rgar? ¿Por qué Arya no aprovechó
mejor la oferta de mercenario? ¿De dónde salieron los huevos de dragón? Y otras
parecidas.
En su tercera porción, Miss Frankel examina brevemente las diferencias
entre serie y saga, ofrece libros parecidos a GOT para el lector hambriento, y termina
intentando responder la omnipresente pregunta de si la Canción de Martin es feminista o no. Sigue a esto una fascinante
investigación de todas las posibles fuentes de inspiración de Ser George R.R.
Martin para su creación de Poniente y Essos. Ahí caben factores históricos,
mitos, obras clásicas, comics y hasta otras novelas de Martin.
La penúltima sección está dedicada a los ya mencionados
protagonistas: Jon, Bran y Dani y sus búsquedas heroicas. Acaba el libro con un
listado descriptivo de Las Grandes Casas de Westeros, más una bibliografía,
índice y notas. Para ser tan corto, el libro está muy bien organizado. Se ha
intentado, y a ratos logrado, cubrir toda la información que nace de esta obra-fenómeno.
A su modo “Ganando Juego de Tronos” se convierte en un curso instantáneo sobre a
saga para Los Inmaculados que no tienen tiempo de leerse cinco libros.
El mayor defecto de este libro es su abreviación, porque la
autora tiene mucho que decir y mucho que cubrir. Espero que lo haga en otros libros. En cuanto
al contenido de éste, prepárense, porque de ahí surgirán (D-s mediante) muchos
posts futuros.
Una de las pocas gratas sorpresas que nos depara la Quinta
Temporada de “Juego de Tronos” es la posibilidad de ver en vivo y en directo la
profecía que una hechicera le hizo a Cersei en su juventud. Las palabras de
Maggy, La Rana son tan fundamentales para la trama de Una Canción de Hielo y Fuego que los productores optaron por romper
su propia regla de no incluir flashbacks en la serie. ¿Cuál fue el motivo para
crear una regla que impide mostrar en pantalla todo el
pasado de personajes y del universo Martiniano? ¿Y es realmente malo, como
piensa la industria editorial, incluir el recurso de la
backstory?
Backstory
(literalmente “un cuento de atrás”) es como se denomina al trasfondo antiguo de
los personajes y del mundo que se describen en una trama. A menos que una
historia comience como David Copperfield
con el nacimiento de un protagonista, toda ficción compleja posee un bagaje de antecedentes que en algún momento harán sentir
su peso sobre el presente de los personajes principales. Estos antecedentes se
transmiten a través de técnicas, como la
evocación, el dialogo nostálgico y el flashback , raconto o analépsis.
La evocación ocurre
cuando un personaje recrea en su memoria lo que las circunstancias, la entrada de una persona a su vida o el mismo
medioambiente, le provocan recordar. Asi nos presenta el autor a Daenerys en Juego de Tronos. La futura Khaleesi
aparece acicalándose para conocer a su futuro marido, pero mentalmente ella
recuerda su infancia, sus desdichas, y
la famosa casa grande con la puerta roja que considera su hogar.
La saga de Martin está plagada de ejemplos de la backstory presentada en forma de diálogo.
Ser Jorah le cuenta a la Khaleesi su pasado y los hechos por los cuales es ahora
un exiliado. De igual manera, Sam usa el diálogo para contarle a Jon Snow los
motivos por los que se ha unido a La Guardia Oscura. Y por supuesto la mas poderosa
backstory vía-dialogo de todos los
libros es la confesión de Jaime a Brienne en la Tina de Harrenhaal.
Mi recurso favorito para conocer el pasado en una obra de ficción es el flashback. Ese viaje al ayer en que
somos testigos de eventos vetustos que
otros en la historia presente desconocen. Ahí es donde pertenece la profecía
del Valonqar. Que Los Arcángeles hayan quebrantado su tabú sobre el racconto indica la gran importancia que
tiene y tendrá en la trama el vaticinio de Maggy, La Rana. ¿Significa esto que
otras profecías como las de Azor Ahai (cuyo nombre ni ha sido pronunciado en la
serie) no son tan importantes? Eso nos lleva a otra pregunta ¿Por qué obviar
toda la importante carga informativa del autor sobre la historia pretérita de
Westeros y Essos?
La respuesta fácil es tiempo y espacio. Sin embargo, han
gastado tiempo en inventarse hechos ya acaecidos
que nunca llegan a desarrollar (la criptica biografía de Shae) o que acaban en baldías,
por no decir absurdas y grotescas, escenas (el cuento del Primo Orson).
En algunas ocasiones les han quedado fantásticos los
esfuerzos por usar el pasado para describir personajes. El mejor ejemplo está
en todas las escenas inventadas para Jaime en la Primera Temporada. A través de
diálogos del Matarreyes con su hermana, su Rey y hasta con Jory, la serie nos brindó
un hor d’oeuvre para abrir nuestro
apetito y querer conocer mejor al personaje más sabroso de la saga.
Y si
hablamos de erotismo (y decir Jaime ya abre esa puerta), hasta han convertido
la backstory en foreplay en la manera en que la difunta Talisa termina admitiendo
al Rey del Norte en su cuerpo. Como recordarán, antes de desvestirse, la
enfermerita le cuenta una triste anécdota de su infancia en Volantis y ya con
eso se gana la mano y toda la anatomía de Robb Stark.
La backstory martiniana
añade profundidad, complejidad, suspense
y hasta erotismo a la trama. Sin los cuentos de La Vieja Tata no nos moriríamos
de miedo de Los Caminantes Blancos, ni sabríamos quien es el Rey de La Noche. Y
qué bien la hicieron en la serie de combinar uno de esos cuentos (La Rata Cocinera)
con la llegada de Sam al Fuerte de La Noche.
Rhaegar y Lyanna son el gran enigma de esta saga, pero
también su pareja más romántica. Lo divertido es que los conocemos solo gracias
a flashbacks, menciones en dialogo y
otros medios evocativos que son parte de la backstory.
Sin embargo, Los Inmaculados no saben quienes son estos personajes
importantísimos en el libro. Eso se debe a la decisión incomprensible de Weiss&Benioff
de recortar la backstory. Casi tan incomprensible
como el gastar en una actriz y en caracterizarla como Qaithe de las Sombras si
nunca vamos a oír sus famosas profecías.
Por lo menos la temporada pasada supimos quien era Elia
Martell. ¿Y a quién no se le estrujo el corazón con la evocación que La Víbora
Roja hace de su masacrada hermana en la celda de Tyrion? No solamente Oberyn
nos relata la horrible muerte de su hermana, y su deseo de vengarla, además nos
pinta un retrato de Los Hermanos Lannister en su infancia, del odio que Cersei
ha sentido por Tyrion desde que el Gnomo estaba en la cuna, y de como Jaime siempre
defendió a su contrahecho hermano.
Desde mi perspectiva de escritora amateur, la lección más importante que me ha enseñado Martin es el
valor de la backstory. No es el
primero en apreciar ese recurso literario. Ya en días de Aristóteles, el filósofo lo alababa en su Poética. En el pasado, la literatura universal lo ha usado y
abusado desde La Odisea hasta Cumbres Borrascosas, desde Las
Mil y una Noches hasta Proust. Hay escritores que usan la nostalgia
por el pasado con tal maestría que llegan a otorgarle backstory hasta a los objetos. Esos son los casos de Oscar Wilde en
sus cuentos y de Ramón de Valle Inclán en sus Sonatas.
El pasado es importante y en más de una ocasión necesita ser
intercalado en una trama presente, lo vemos en las series de televisión modernas.
Con la excepción de “Downton Abbey” todas mis series de televisión favorita lo
incluyen o han incluido. La technical
del analépsis salpica “True Blood”,” Sleepy Hollow”, “Boardwalk
Empire”, “Mad Men”, “Grey’s Anatomy”, “Revenge”, “Miss Fisher's Murder Mysteries” y “Penny Dreadful”. ¿Qué
hubiera sido de “Lost” sin sus flashbacks?
¿Qué seria de “How I Met Your Mother “o de “Once Upon a Time” sin ese
subterfugio? ¿Entonces por qué temerle tanto a la backstory?
El pasado que Martin deja colar en sus libros ha contribuido
a convertir a su Canción en una
franquicia. Sin esa glotonería por saber más de Poniente los troneros no
gozarían de esa precuela que abarca las aventuras de Egg y Dunk, ni se crearían
libros sobre la geografía martiniana, y la historia de ese universo inventado.
Tal como hay quienes viven obsesionados con saber cómo ocurrieron las cosas en
ese prehistórico longevo invierno en que Los Otros invadieron Poniente, a mi me
obsesiona saber que catástrofe provocó la destrucción de Valyria y si hubo ahí
algún error mágico o fue un cataclismo natural. Y todo eso gracias a la backstory martiniana que nos ha dejado gusto
a poco.
No significa eso que el mundo de la Canción gire solamente en torno al pasado. Es ahí donde Ser George
nuevamente demuestra su maestría. Sus técnicas narrativas más usadas son las que
componen la backstory, y la profecía. Esta última es la antítesis de la backstory puesto que se relaciona con
hechos futuros.
La trama de la saga está subordinada a la dicotomía pasado-futuro. Los personajes
mayores viven equilibrándose en una espada de doble filo. Por un lado, su vida
es determinada por lo ocurrido antes de ellos nacer, por otro, son los sucesos
del mañana los que guían sus pasos. Los habitantes de Poniente y Essos deben
sus personalidades, circunstancias, logros y desdichas a los actos de sus ancestros. Los mismos
continentes, la topografía y el clima van encadenados a sucesos remotos.
Como ya voy por la segunda pagina, creo poder incurrir en la
auto referencia. Sin George R.R. Martin yo no me atrevería a escribir una historia
en la que la backstory se vuelve un recurso
frecuente hasta el punto de la omnipresencia. Es algo impensable puesto que una
pauta fija de la industria editorial estadounidense es que hay que minimizar la
backstory y jamás incluirla en el
primer capítulo.
Existe un consejo para los escrtores princpiantes: “pon a tu protagonista, ya en el primer
párrafo, a punto de despeñarse de una
cima. Más adelante tendrás tiempo de contarnos quién es y cómo llegó ahí”. Curiosamente,
Bella Swann, desde antes de su llegada a Forks, y en el primer capítulo, ya nos
está contando, quién es, de donde viene, quiénes son sus padres y por qué ha
preferido venir a vivir con su papá en este pueblo perdido en un bosque, en vez
de seguir con su madre. Pero si me pusiera a revisar la cantidad de reglas que
se ha saltado Stephanie Mayers en Crepúsculo
tendría para hacer otra nota completa.
¿Pero de dónde nace la regla? La pregunta sobra, ya sabemos
de donde nacen reglas arbitrarias. Son el producto de alguna torpe encuesta o estudio
que demuestra que el público es tan bobo, que se distrae fácilmente y que
cuando comienzan a poner demasiados personajes y a saltar del hoy al ayer se
confunden y aburren.
Cuando escribí La
Puerta de las Tempestades, descubrí que era imposible evitar la backstory. Por eso mi primer capitulo
es una yuxtaposición del presente y del pasado. Solo así puedo dar un retrato completo
de la heroína-narradora. Lo mismo ocurre, más adelante, cuando otro narrador presenta al protagonista con el lector.
Como entonces no escribía para industrias gringas, hice
trampa. Pero siempre me sentí un poco culpable. La culpa sólo acabo cuando leí Una Canción de Hielo y Fuego. Si
lectores de todo el mundo se enamoran de una obra que a cada rato lanza miradas retrospectivas a hechos acaecidos en pasados cercanos y lejanos,
entonces la backstory no debe dar miedo.
Por el contrario, es un recurso legítimo
y útil.
En mi nueva novela que es un experimento total, cuya mayor
ambición es la de (parafraseando a Sir Terry Prattchet) contar el cuento que quiero leer, utilizo la backstory a
destajo. Quiero contar un cuento, pero quiero contarlo ben trovato como dice el dicho italiano, por eso tomo como ejemplo
a Ser George R.R. Martín el maestro de la backstory.
¿Aburre tanta alusión al pasado en la saga de Martín? ¿Se
extrañan esas remembranzas en la serie? ¿En general, les gustan los flashbacks?
¿Pueden recordar filme, serie o novela donde el uso de la backstory estuviera tan logrado como en Una Canción de Hielo y Fuego?
La muerte de mi personaje favorito perdió impacto en este final
de media-temporada gracias a una avalancha de lugares comunes y pesadas y desubicadas discusiones familiares.
Lo más atractivo que nos deja “Sleepy Hollow”, es la posibilidad de conjeturar sobre
lo que puede ocurrir con la serie si realmente murió Móloc. ¿Qué pasó en “El Akeda”.
Los Testigos, armados de la espada de Matusalén, parten a
detener el Apocalipsis. Camino a La Mansión Frederick, una apocalíptica tormenta
eléctrica destruye el motor del auto de
a Teniente Mills . Tienen tres opciones: esperar un taxi, ir a caballo (la
opción preferida de Ichabod) o montarse en una Harley. Escogen la última. Como
corresponde, Abbie (que fue motera en su loca juventud) es la que conduce. “¿Dónde esta el cinturón de seguridad?”
pregunta el preocupado Profesor Crane. Fue mi escena favorita de la noche. Hay
algo tremendamente sexi en una pareja en moto, y no se quejen, feministas.
Ichabod ocupó el asiento trasero.
“¡Cuando todo esto acabe, tengo que conseguirme una de estas!
“comenta el profesor a su llegada a Fredericks Mansion. Esa es mi primera visión
del futuro de esta serie. Ichabod en motocicleta recorriendo el país y descubriendo
más idiosincrasias de los Estados Unidos del presente.
Fredericks mansión está a oscuras y silenciosa. Parece abandonada.
Pero, no, los gemidos de Katrina (y eso que está amordazada) los llevan al
patio donde Abraham tiene a su novia maniatada y está a punto de decapitarla. Ichabod
lo desarma y apoya la punta de la espada mágica en el pecho del rival. Ohh,
pero El Jinete tiene una última carta y les cuenta e viejo truco de a espada.
El que la usa, muere en el acto. Es lo que exige el arma, un alma por un alma.
Los Testigos no le creen, pero Kat si. Suplica que esperen a
que revise unos libros para saber si Abraham dice la verdad. En medio de la
tormenta, mandan a Miss Jenny a buscar los libros. La recadera se los trae a la
bruja que descubre que lo dicho por Sin Cabeza es cierto. Vuelven a punto 0.
Nadie puede usar esa espada. A Miss Jenny se le ocurre una solución. Necesitan
a alguien que no tenga alma para blandir la espada ¡Irving!
Entretanto, amarran a Abraham y Katrina lo interroga. Necesita
saber donde están Moloc y Henry. Abbie
le di ce a su amigo que entiende que para él es difícil ver juntos a Katrina y a
su ex novio. Le recuerda que Katrina no quería que mataran a Abraham. Aunque lo
que La Teniente Mills quiere decir es que no confía en la Señora Crane, suena
como si dijera “Olvídate de Katrina. Soy mejor que ella”.
Sigue a esto un momento telenovelero. Ichabod entra a la sala
de interrogación, justo cuando su mujer le dice con voz temblorosa al Jinete
que ha llegado a quererlo. Cof, Cof. Mas tarde, Ichabod habla con la bruja. El
intenta auto convencerse de que Katrina está sufriendo del Síndrome de Estocolmo.
Intento fallid que deviene en una lluvia de reproches por parte del profesor. Le
recuerda a su conyugue cada engaño, cada traición, ya solo falta que la acuse
de no saber cocinar. Katrina reacciona ofendidísima, y deciden de mutuo
acuerdo, que por ahora serán camaradas, pero cuando hayan salvad al mundo ya no
serán un matrimonio. Primera cosa sensata que dicen en este capítulo.
Los Testigos van en busca de Irving y lo encuentran encapuchado
en una alcantarilla. Al comienzo, el ex policía no tiene muchas ganas de
sacrificarse, pero finalmente reflexiona que entre vivir debiéndole el alma a
Móloc o morir matando a Móloc, lo ultimo suena más entretenido, (al menos saca a Orlando de la gaveta donde
lo tenían guardado toda esta temporada) Irving exige de Jenny una promesa,
que siempre velará por su mujer y su
hija (que ni han aparecido esta temporada. Ni me acuerdo de sus caras).
Me parece muy bonito que Irving sea tan heroico, pero es anti
climático y oportunista, por no decir hipócrita, que después de pasarse una temporada
jurando que sacrificarán sus vidas para salvar a la humanidad, Los Testigos
le pasen la pelota a otro.
Irving ahora tiene la
espada matusalénica, pero los demás necesitan
de un arsenal mágico. Mejor dicho necesitan de una excusa para meter a Hawley
en el programa.Se encuentran al rubio de juerga en el único bar del pueblo.
A Hawley no le parece tan importante que el Apocalipsis esté teniendo lugar allá
afuera, más importa tener nenas y chelas adentro.
Lo sacan al patio y ve que está granizando sangre. Hora de ir
en busca de pistolones, espadas, ballestas etc. Katrina se encarga de otorgarles
poder con sus ensalmos. Pero sus hechizos son débiles porque la llegada de Móloc
ha precipitado una fusión del mundo real y el Purgatorio. Cosa que no ocurre todos
los días, pero cuando sucede debilita los poderes de la bruja. A Hawley le
parece admirable que Ichabod se haya casado con una hechicera, será el único que pensar
así.
Lo que si es admirable es la paciencia de Móloc que ha
detenido todo su ritual para darles tempo a los Testigos para interrogar a
Abraham. Irving lo amenaza con cortarle un brazo y El Jinete suelta la sopa
antes de ser Sin Cabeza y Sin Brazo. Les dice en que bosque encontrará al demonio.
Como ya no tienen más información que sacarle, El Equipo Salvemos al Mundo se dispone
a acabar con El Jinete, pero Katrina, que no pierde oportunidad de abrir la boca, suplica
por la vida de su ex novio.
Abraham sobrevive y Abbie le lanza miraditas
significativas a un indignado profesor Crane.
Entretanto Móloc le da su regaño a Henry culpándolo de la
captura del Jinete sin Cabeza. Henry se desespera y lloriquea recodándole a
Papi Móloc lo bien y mucho que le sirve. Móloc no está muy convencido. Como ya los
Testigos y su equipo están advertidos y vienen en camino armado hasta los
dientes, Móloc ejecuta su plan de soltar a las almas del Purgatorio. Un ejército
de Walking Dead avanza hacia el equipo. Logran herir a Abbie, a la que la
mandan a descansar en la banca. Rugido general por parte del Feminismo Extremo.
Aunque Irving confiese que nunca ha tomado una clase de
esgrima se desempeña como un Jedi en el campo de batalla, destripando zombis a
diestra y siniestra. Móloc envía al Jinete de la Guerra, ósea el clon de Henry.
El Jinete avanza hacia Irving que lo atraviesa con su espada. El Jinete muere.
En otro lado del bosque, Henry se retuerce de dolor. Irving ha queda malherido…
¡y muere!
Mientras yo me pregunto si no es hora de apagar el televisor.
Abbie en cámara entra y sin sonido (hasta eso sonó ficticio) llega a recibir el último suspiro de su ex
jefe.
Los Testigos se reúnen a deliberar sus próximos movimientos
en la vieja Parroquia de San Enrique. Móloc, por supuesto, conoce su paradero, y
envía a Henry su último sirviente a recuperar la espada. El ex devorador de
pecados se asusta. Si ya su clon-armadura ha sido destruido, ahora él es
vulnerable. Móloc no le hace caso, le recuerda que es un gran honor morir por
él. Ya se cree Hirohito.
Henry-Kamikaze llega a la parroquia. Lo recibe Abbie, armada
con la espada. Henry se parte de la risa y envía un set de lianas a atarle las
piernas a la “Leftenant”. Abbie se burla. ¿Asi pretende detenerla? ¿Con raíces?
La risa se le acaba cuando las lianas la apresan a ella y a su hermana. ¡Henry
tiene la espada! Y comienza el juego. Llega Katrina por un costado. Musita uno
de sus encantamientos. Ante el horror de Henry, la espada se deshace en sus
manos. Entra al campo Ichabod. Tiene la pelota, digo la verdadera espada.
Aquí es la única vez que toma sentido el titulo del episodio.
“Akeda” es como se denomina en hebreo al sacrificio de Isaac. La prueba más terrible que Dios puede exigirle
a un hombre, el sacrificio de un hijo. Henry se pregunta si Ichabod emulara a
Abraham. Katrina suplica, Abbie apremia y El profesor Crane sale con una imbecilidad.
Dios reemplazó a Isaac con un carnero. El carnero ahora es Móloc. A él hay que
matar. Henry parece conmovido ante la estolidez de su progenitor, pero le dura
un segundo. Ya se apodera de la espada y toma prisioneros a Los Testigos y su equipo.
Henry arrea a su ganado a bosque donde un Móloc complacido
lo insta a cometer matricidio. Henry titubea. Katrina le pertenece a Abraham. Móloc
se harta de tanta pavada. Abraham no importa, lo único que importa es su
voluntad y que se cumpla.
Lo interrumpe Ichabod ofreciendo su vida por la de su esposa.
¿Acaso cree que lo van a dejar vivo? Henry se le acerca para matarlo de una vez.
Pero siguiendo la tradición de “Sleepy Hollow”, no puede evitar mandarse un
decurso anti-religioso muy pretencioso y confuso. Básicamente parece decir que
uno no puede servir a un dios cruel, y es mejor matarlo. Acto seguido atraviesa
a Móloc con la espada. …. ¡Y ahí quedó!
Yo creo que hay que analizar al ilegible Henry en términos freudianos.
El odia a Ichabod porque lo considera un mal padre. Por eso quiere matarlo. Lo
ha reemplazado con Móloc, pero cuando su
nuevo padre ya no lo satisface también lo mata en una variación de Complejo de
Edipo. Eso no quiere decir que haya perdonado a sus padres o que se redima.
Henry es irredimible.
¿Murió Henry? Se supone que es inmortal. ¿Murió Móloc? ¿Murió
Irving? Los fans de Orlando Janes dicen que nadie muere en “Sleepy Hollow” y
que lo seguiremos viendo. Eso cuando los guionistas se pongan de acuerdo y le
encuentren algún propósito al personaje y a la serie.
Fue un buen capitulo que pudo estar mejor si le hubieran extirpado
tanta basura de decursos, discusiones improcedentes y clichés. Tal vez entonces
hubiera sido más impactante y sorpresivo.
En fin, a estas alturas, me atrevo a decir algo. Nunca me he
credo el dilema paternal de Los Crane. Y es se debe a que John Noble, será un
muy buen actor, pero es un viejito arrugado. Por eso me resulta grotesco que Ichabod
y Katrina vean en él a un frágil retoño, mejor lo miraran como a un abuelito.
